UN POCO DE FOTOGRAFÍA

"Algún dia  fotografiar será tan fácil como  pintar con un lápiz de colores".

Esta frase  es de  George Eastman,  fundador de la compañía Kodak y fue  pronunciada  a finales del siglo XIX. En ese momento histórico lanzó al mercado una pequeña cámara con la que logró  revolucionar el mundo de la fotografía.

A finales del siglo XIX y  comienzos del XX, acontecimientos como la Primera Guerra Mundial, la Revolución de Noviembre alemana y la Revolución de Octubre rusa marcaron nuevos hitos en el orden social que se resquebrajó totalmente.

El creciente progreso tecnológico halló su manifestación más visible en el automóvil, en el avión y en los rascacielos. El arte reaccionó con movimientos como el constructivismo, el dadaísmo y el futurismo.  En este escenario,  económico, social y artístico tanto  la contribución de  George  Eastman a la fotografía con su cámara de pequeñas dimensiones como  mas tarde  el lanzamiento de la  cámara Leyca, constituyeron hitos en  la popularización del mundo de  la fotografía.

La cámara Leyca  era  ligera, pequeña (apenas 400 gramos), compacta, versátil y con un precio asequible,una cámara de fotos que revolucionó el mundo de la fotografía en   la década de los 20 y puso este arte al alcance de todo el mundo, aficionados y profesionales.

Una cámara que cabía en el bolsillo de un abrigo se convirtió en la gran acompañante no sólo de fotógrafos profesionales, sino de aficionados, de mujeres emancipadas e hizo que la fotografía se convirtiera así en un componente natural de la vida cotidiana. La Leyca supuso una revolución tecnológica similar a la de los teléfonos móviles de hoy en día.

A partir de  ese momento la fotografía  forma parte de la vida cotidiana  del ciudadano.

Pero ¿qué  es la fotografía?

La fotografía trata de lo no dicho, en palabras de Ludwing  Wittgenestein.

Las fotos artísticas no se toman sino que se crean y dependen fundamentalmente de la creatividad del fotógrafo y de su modo de plasmarla en una imagen.

Como decía Anne-Celinne, la fotografía tiene que ver con la manera de ver las cosas, y poco con las cosas que ves. 

Una fotografía  es un testimonio, un acta notarial  de nuestro hacer  fotográfico, una huella de nuestra actividad en el mundo. Cada fotógrafo  deja su impronta y su sello personal en la captación de la imagen,  en ese momento mágico donde el mundo se para  para plasmar aquello  que la mente de una persona ha percibido y ha sabido llevar a la imagen fotográfica, haciendo que el espectador  pueda  percibir   determinadas sensaciones o sentimientos  bellos, inquietantes etc...

En la fotografía artística la intencionalidad del fotógrafo cobra vital importancia. Su humor, sus sentimientos, sus deseos y sus pensamientos se hacen protagonistas de la imagen mucho más allá de la representación física que queda plasmada en la foto.

 El gran fotógrafo Cartier Bresson entendía  para  hacer fotografía  hay que  saber observar,  pero  a observar no se puede enseñar y se  tarda mucho en aprender a observar,  a mirar.

En la fotografía  lo que cuenta es el instante, hay que poner  en el mismo punto  de mira la cabeza el ojo y el corazón. Se trata  de  plasmar los momentos que nos impactan.
La variante  tiempo es primordial HAY QUE DISPARAR EN EL MOMENTO JUSTO.

El  que fue presidente  francés Degaulle usaba un símil no exento de gracia  para describir  lo que para él era fotografiar:

"Para fotografiar tienes que  ser como  un artillero apuntar bien, disparar  y luego desaparecer".  

También a propósito de la fotografía el escritor estadounidense John Steinbeck decía que:

 "La fotografía podía ser una extensión de la mente y del corazón y que sería tan buena como el hombre que la hiciera"


 ALGUNOS FOTÓGRAFOS

Muchos han sido los artistas dedicados al mundo de la imagen, unos  en la fotografía artística , otros en el fotoperiodismo, otros en el mundo de los  retratos...

 Por citar a alguno de los más   famosos  se podría hablar del mencionado Cartier Bresson, el primero,  el innovador,  el gran observador; Junto con Kappa  fundó la agencia Magnun, otro hito en el mundo de la fotografía. En aquel momento había una  gran necesidad de información;  la cámara de fotos servía en aquel momento para marcar los interrogantes de los dos mundos surgidos a  raíz de la guerra.

No podemos olvidarnos de otros  muchos, todos excepcionales en su estilo y en su momento: Alexander, Rodchenko, Wiliam Henry Fox Talbot,  Robert Mapplethorpe  Jopsef Koudelka,  Walker Evans   y tantísimos otros.

En España, Chema Madoz y por supuesto una larga lista de artistas que  a lo largo del siglo pasado y del presente han ido retratando la España de  la Guerra, la  de la posguerra la de la Movida de los años 80 y todos los acontecimientos sociales que  componen nuestra historia reciente.

POP  ART

SEGUNDA PARTE

PRECURSORES

Varios artistas como Marcel Duchamp, Kurt Schiwitters, Man Ray, Max Ernest y Jean Art, fueron precursores de este  movimiento artístico.
Aunque  comenzó a finales de 1950, el Arte Pop en Estados Unidos tuvo mayor importancia  en la década de 1960. En este momento  la publicidad estadounidense había adoptado  elementos e inflexiones  del arte moderno y funcionaba a un nivel muy sofisticado. El lenguaje utilizado por el pop estadounidense  fue inspirado en gran medida por Jasper Johns  y Robert  Rauschemberg.

Sin embargo, los adversarios del Pop Art aducían que le faltaba impulso revolucionario en el sentido artístico y le acusaban de que sus signos y divisas procedian directamente de la cultura burguesa, incluso hubo quien declaró que los artistas  representaban el espíritu conformista de la burguesía.
El crítico de arte GREEBERG en su ensayo titulado "Vanguardias y Kitsch" proyectó el término "Kitsch" sobre el aspecto óptico de la cultura de masas. El estigma de la cultura popular era, y sigue siendo su aspecto comercial, sin embargo los beneficios que produce la hacían atractiva para algunos artistas.

EL POP BRITÁNICO: RICHARD HAMILTON

RICHARD HAMILTON junto a Eduardo Paulozzi son dos  figuras representativas  de pop art  británico.

Hamilton se dedicó en un momento de su vida profusamente  a los trabajos artísticos de Marcel Duchamp y reconstruyó su obra maestra EL GRAN VIDRIO, lo que le llevò a trabar  gran amistad con el francés y junto a James Joyce  fueron los inspiradores de su obra.

OBRAS

My Marilyn

A los dos años  de fallecimiento de Marylin Richard Hamilton creó  la imagen personal de la estrella. No se trata de un homenaje, sino de un mero análisis intuitivo de los mecanismos de su éxito. En su lienzo Hamilton recoge 12 fotografías de Marylin en la playa, las coloreó todas.

¿Qué es eso que hace  a los hogares de hoy tan diferentes y tan atractivos?

Este  collage de Hamilton representa los principales cimientos de esta cultura popular industrial, los vistosos cuerpos artificiales, reúne carteles,emblemas etc... 

Aquí están presentes todos los elementos a partir de los cuales  iba a desarrollarse  el pop art.

EL POP NORTEAMERICANO

JASPER JOHNS

"Flag", Jasper Johns, 1955

-¿Se trata de una bandera o de un cuadro  que  representa una bandera?
+"No sólo sino también" 

La técnica utilizada en este cuadro, el encaústico, es poco común y de una dificultad considerable al ser difícil de manipular ya que el secado se produce rápidamente.
Cuando el artista pintó el cuadro la guerra determinaba la visión del mundo en tres bloques: la guerra fría (Estados Unidos vs Rusia), la guerra caliente  de Corea y la caza de Brujas del general MacCarthy.
En su dia "Flag" fue entendida como un cuadro antipatriótico.

ROY LICHTENSTEIN

Con su serie de pinturas  sobre pinceladas  el artista ironiza  sobre la importancia que se da a las pinceladas en el expresionismo abstracto.

OBRAS

M-MAYBE
El gusto por la reproducción de cómics se debió a su contenido emocionalmente elevado.

ANDY WARHOL

Es el representante  del Art Pop por excelencia.
Icono en su vida y en su obra.

Un evento crucial fue la exhibición "The American Supermarket", una muestra celebrada en 1964 en la galería Paul Bianchinni, en el Upper East Side de Manhattan.

La exposición estaba organizada como el típico pequeño supermercado estadounidense, aunque los productos exhibidos pescado, carne etc eran obra de prominentes artistas del pop: Mary Iman Robert watts o el controvertido Robert Apple.
La contribución de Warhol fue una lata de sopa Campell, valorada en 1500 dólares, lo curioso es que la lata sólo costaba seis dólares.
La exposición fue no de los primeros actos que se confrontó el público con el pop art y la cuestión planteada por las vanguardias a cerca de lo que podía ser arte.

Warhol extrapoló su profundo conocimiento del mundo comercial a su faceta artística. Así intuía que definir un nicho comercial era al fin y al cabo definir un tema artístico. Los dibujos animados y los cómics ya habían sido utilizados por Lichtenstein, la tipografía era parte del lenguaje de Jasper Johns y Warhol también quería definir su propia estética distintiva. Sus amigos le aconsejaron pintar las cosas que más amase: en su peculiar manera de tomar las cosas literalmente, para su primera exposición de importancia pintó las famosas latas de sopa Campbell, que según decía había sido el almuerzo más frecuente a lo largo de su vida. La obra fue vendida por $10.000 dólares en una subasta celebrada el 17 de noviembre de 1971 en la sede de Sotheby's en Nueva York, un precio irrisorio si lo comparamos con los 6 millones de dólares obtenidos más recientemente por la misma obra.

"Marylin", Andy Warhol

POP ART EN ESPAÑA

En España, EDUARDO ARROYO puede incluirse en el arte pop por su interés por el medio ambiente, su crítica de la cultura de los medios que incorpora iconos tanto de los medios de comunicación de masas como de la historia de la pintura, así como por su desprecio por los estilos artísticos establecidos.

ALFREDO ALCAÍN puede ser considerado uno de los artistas "pop" más auténticos de España por el uso imágenes populares y de espacios vacíos en sus composiciones.

El EQUIPO CRÓNICA, formado por los artistas Manolo Valdés y Rafael Solbes en Valencia entre 1964 y 1981, también se encuentra en la categoría del arte pop por el uso de los cómics e imágenes publicitarias, y la simplificación de las imágenes y composiciones fotográficas.

Bodegón con cacharros

Representa cuatro objetos de una vajilla: tres vasijas alfareras, de estas dos son blancas del tipo de jarra fabricada en los talleres sevillanos y tres piezas de metal, una copa y dos bandejas.

Llama la atención la sobriedad y austeridad de la composición y de los elementos elegidos. Los objetos sencillos alcanzan una trascendencia poética, sublime. Esta sobriedad, la fuerza expresiva y la plasticidad de sus figuras hacen que esta obra conmueva nuestra sensibilidad moderna y justifican la permanente actualidad de su pintura, que siglos después despertará la admiración de los cubistas.

La luz de esta obra es de estilo tenebrista, intensa, contrastada y dura, hace resaltar los objetos sobre un fondo oscuro.

Mide 46 cm de alto por 84 cm de ancho. Se cree que Zurbarán la pintó hacia el año 1650 y se encuentra en el Museo del Prado.
Otra versión del cuadro, casi idéntica y catalogada también como autógrafa, se conserva en el MNAC de Barcelona.
Algunos especialistas han propuesto que en ella colaboró el hijo menor del pintor, Juan de Zurbarán.

Biografía de Francisco de Zurbarán (1598-1664)

Francisco de Zurbarán nace en el año de 1598 en Fuente de Cantos. Una vez completada su formación, Zurbarán regresará a su Extremadura natal, a la localidad de Llerena, donde contraerá matrimonio por dos veces y se establecerá, hasta la fecha de 1626 en que es reclamado a Sevilla para llevar a cabo la ejecución de un importante encargo.

La orden de los Dominicos le encargó una serie de cuadros a cerca de la vida monástica para su convento de San Pablo, convirtiéndose la buena realización de los mismos en el detonante para la consecución de otro encargo más, proveniente en este caso del convento de la Merced en 1628, transmitiendo el Ayuntamiento de Sevilla al pintor, un año más tarde, su deseo de que se instalara de forma definitiva en la ciudad.

Zurbarán gozó de fama en su época, algo que propició que nunca le faltaran los encargos, en mayor o menor medida, los cuales se sucedieron a lo largo de los años en forma de peticiones de grandes series pictóricas por parte de diversas órdenes religiosas (Jerónimos, Cartujos…).

Hacia la mitad de su vida la desgracia le alcanzó en la forma de la defunción de su segunda esposa (tras lo que se volvió a casar), una disminución de trabajo y el sufrimiento de la peste de 1649, que se llevará a uno de sus hijos, Juan el pintor.

Además, con el paso de los años el pintor habrá de ser testigo de cómo el nuevo estilo de un cada vez más apreciado Murillo se va imponiendo poco a poco, en detrimento de su pintura. Finalmente decidirá partir de nuevo a Madrid junto a su amigo Velázquez, instalándose de forma definitiva hasta su muerte en esta ciudad, casi una década después y rodeado de estrecheces económicas, en el año de 1664. 

Principales obras de Zurbarán

Zurbarán, va a representar con una gran claridad la religiosidad que impregnará la vida española del s.XVII (es ésta la época de la Contrarreforma y las órdenes religiosas habrán de salir beneficiadas de dicha circunstancia, adquiriendo un mayor relieve), componiéndose la mayor parte de su obra de series dedicadas a mostrar la vida monástica: San Hugo en el refectorio, La misa de fray Pedro de Cabañuelas, El adiós de fray Juan de Carrión a sus hermanos, etc. La Cartuja de Jerez, San Pablo el Real, el Monasterio de los Jerónimos de Guadalupe o la Merced de Sevilla fueron algunos de los sitios para los que llevó a cabo sus principales series.

Su obra está influida por los contrastes tenebristas de Ribera, protagonizados por una tendencia naturalista típica de la época, algo que se aprecia excepcionalmente bien en sus sencillas y táctiles naturalezas muertas (en la actualidad Zurbarán ha sido redescubierto como bodegonista).

Zurbarán aparece enmarcado en la denominada segunda generación tenebrista en la que los contrastes aparecen menos matizados y el claroscuro se presenta sin la brusquedad del primer momento, proporcionado esta suerte de efectos más reflexivos.

Una de las notas mas características de la producción de Zurbarán es la originalidad, una atmósfera propia y un estilo singularisimo, sus principales fuentes de inspiración fueron los grabados y en especial BOSWERT Galle, Callot Sadeler y Ribera.

COMPARAMOS ESTE BODEGÓN DE ZURBARÁN CON OTRO ESTILO DE BODEGONES CONTEMPORÁNEOS: LOS HOLANDESES DE ESE MISMO SIGLO

Si lo comparamos con un bodegón de la misma época, de un pintor holandés como por ejemplo de Jan Davidsz de Heem que reproducimos a continuación tendríamos que observar lo siguiente:

Los bodegones de los pintores holandeses en muchos casos tienen un sentido simbólico de abundancia y ostentación. Suelen incorporar elementos arquitectónicos, con ello se logra profundidad, el fondo y los primeros planos, junto a los contrastes entre zonas de luz y sombra, logran aportar novedades a la pintura de naturaleza muerta. Su cualidad más destacable fue fundir el estilo decorativista flamenco con los bodegones íntimos propios de Holanda.

Se conocen este tipo de bodegones como “Pronkstilleven” o bodegones de ostentación, un tipo de pintura suntuosa y ornamental.

A SIMPLE VISTA PODEMOS OBSERVAR LAS DIFERENCIAS ENTRE UNO Y OTROS: 

• Los objetos representados: Zurbarán representa objetos sencillos y de uso diario. 
• Los holandeses introducen algunos alimentos, y los objetos representados son suntuosos y de materiales preciosos.
• En cuanto la luz del cuadro Zurbarán utiliza el claroscuro, logrando una ambiente sencillo e intimista, frente a la luminosidad de los holandeses. 
• El fondo en Zurbarán es prácticamente inexistente, mientras que en los holandeses introducen elementos arquitectónicos como en este caso una columna.Esto le da profundidad al cuadro. 

BIBILIOGRAFIA

· Moreno, Arsenio, Zurbarán, Madrid, Electa, 1998.

· Caturla, María Luisa, Francisco de Zurbarán, Paris, Wildenstein Institute, 1994.

· Pérez Sánchez, Alfonso E., «Francisco de Zurbarán», Historia 16, Madrid, 1995.

EL POP ART O EL ARTE QUE COMIENZA A DESDIBUJAR LA IDEA DE ARTISTA, COMO AUTOR DE OBRA DE ARTE. 

Son tantos los movimientos artísticos del siglo XX, tan rompedores que es difícil atribuir a uno de ellos en solitario la ruptura con el concepto clásico del arte y la pintura.

Junto con las aportaciones que precedieron al POP ART en el tiempo, como las de Duchamp o el propio dadaísmo hubo otros artistas contemporáneos como Robert Rauschemberg que influyeron notablemente en esa ruptura y todos ellos marcaron un hito en el arte y la pintura del convulso siglo XX.

La idea clásica del artista-pintor como autor de obra de arte, es relativamente nueva en nuestra cultura occidental si contemplamos la historia desde la perspectiva de los comienzos de cualquier manifestación artística hasta momento actual.

Sólo a partir del renacimiento el artista comienza a firmar sus obras. Desde esa fecha se comienza a identificar de forma general, el artista con su obra. El pintor deja de ser o pertenecer a la categoría de artesano y pasa a otra superior: artista creador de una obra de arte. Existe una relación íntima entre obra de arte y artista.

El pop art no sólo desvincula la obra de arte del artista, sino que rompe con esa idea, desmitifica la mano del artista, el estudio del pintor no es un estudio, es una fábrica donde se hacen productos en serie.

Si muchos otros artistas posteriores e incluso anteriores han revolucionado el mundo del arte en el pasado siglo y el actual, es el “pop art” el movimiento artístico-cultural que incluye de una manera concluyente una idea hasta entonces ajena al arte, a la obra de arte y al artista:

La cultura de masas.

Este movimiento representa un punto de inflexión en el arte, de la misma forma que Marcel Duchamp desmitificó obra de arte, elevando a objeto de arte un urinario.

Cuando el filósofo y crítico de arte Arthur Danto vio las Brillo Box de Andy Warhol en la sala de exposiciones Stabler Gallery una idea sacudió su mente:

Pensó que las cajas son exactamente iguales que las que se venden en el supermercado, pero qué las hace diferentes ¿que las encumbra a la categoría de arte?

Danto entendió que lo que las convertía en obra de arte era el contexto: estaban colocadas en una exposición de arte.Lo que hace una obra de arte era que estuviera producida y presentada en un mundo de arte.

A raíz de estos acontecimientos, mucho se ha teorizado sobre el arte, lo que es o no es arte y el devenir del arte.

El arte, sobre todo la pintura está en constante cambio, YA NO HAY REGLAS.

GÉNESIS E HISTORIA

La expresión pop art nació entre el invierno de 1954-55.

El término arte pop fue acuñado por John McHale en 1954 con la finalidad de describir el movimiento. Pero sin embargo mayoritariamente, parece que se atribuye su creación al crítico de arte inglés Lauwrence Alloway.

En un collage de 1947 de Paolozzi titulado "I was a Rich Man's Plaything", se incluye la primera vez la palabra “pop"; esta aparecía en una nube de humo que emergia de un revólver.

La palabra POP está presente una obra de en Richard Hamilton, concretamente en su collage ¿Qué es eso que hace a los hogares de hoy tan diferentes?

Pero para los que nos entusiasma el Pop Art, como movimiento trascendente social y culturalmente hablando, Warhol es quien mejor lo muestra y sin duda es el máximo representante.

Fue él quien, agudizó la crisis de identidad de la pintura desatada por Jasper Jons con sus cuadros de banderas y dianas y la convertía en la crisis de identidad del arte moderno.Su trabajo minó los bastiones del art-arte que quedaban en pie y abrieron una brecha en sus muros a favor de los medios de comunicación populares.

Sus temas procedían del mundo del consumo y de las revistas ilustradas.Repitiendo siempre los mismos motivos reflejaba el principio estándar de la producción en masa.

Después de esto, la fotografía y el cine comenzaron a abrirse paso en las galerías privadas así como en exposiciones, y siguiendo la estela, la moda, la cultura por los eventos y la música pop.

En su "Factory" fundada por él mismo, el artista estableció la producción de cuadros en serie, con reparto de tareas.La mano del artista queda desmitificada para siempre.

El inicio del pop art coincide con el inicio de la preponderancia de New York sobre París hasta el momento la capital artística. Desde ese momento las galerías de arte neoyorquinas eran las que decidían qué artista se contaba entre los grandes.
De la costa este de Estados Unidos la pasión por el Pop Art pasó a Europa. Las primeras ciudades que consagraron museísticamente esas obras fueron Aquisgrán y Colonia.

Fundación Mafre

La Fundación Mafre expone del 9 de febrero hasta el 14 de junio, en la Sala de Bárbara de Braganza la obra de Lewis Balz.

Balz cambió la concepción del paisaje tal como había sido concebido hasta entonces, mostrando la cruda realidad. Este artista pertenece al denominado movimiento New Topographics (Nueva Topografía), una generación de fotógrafos entre los que también podemos encontrar a otros como Robert Adams y Stephen Shore.

La exposición se compone de cerca de 400 fotografías y es la primera vez que se expone en España.

A través de esta exposición podemos conocer la trayectoria de este artista, que en principio fotografía en blanco y negro, después en color, hasta a las técnicas más modernas de sus últimos tiempos.

Caixa Forum Madrid

Caixa Forum Madrid expone obra de Cristina García Rodero y muestra la singularidad del mundo real de la India.

La exposición se denomina: Tierra de Sueños estará en Caixa Forum desde el 15 al 28 de febrero y cuenta con la colaboración de la Fundación Vicente Ferrer. Nos muestra diversos aspectos de la India concretamente de comunidades de Anantapur.

Respecto de la obra fotográfica de Cristina García Rodero podríamos decir que se enmarca en el reportaje, aunque desde un punto de vista muy personal.

Su obra se puede encontrar en diversos museos:
En España, entre otros en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

También podemos encontrar obra de la fotógrafa en diversos museos de Estados Unidos y en Francia, entre otros muchos países.

Fundación Juan March

Desde el 17 de febrero al 28 de mayo, la Fundación Juan March expone obra de un maestro de la Bauhaus y figura importante en el panorama artístico moderno.

La exposición la componen cerca de cuatrocientas obras procedentes de diversas colecciones públicas y privadas de Europa y Estados Unidos, y plantean un recorrido por la obra de este artista, mostrando las diferentes técnicas en las que trabajó y los principales temas que plasmó.

Se dio a conocer en Europa inicialmente gracias al “Salón des Indépendants” de París, donde mostró su pintura en 1911, y posteriormente en diversas exposiciones que en Alemania, en 1913.

Entabló una gran amistad con Wassily Kandinsky, Jawlensky y Paul Klee; con ellos fundó en 1924 el grupo “Der Blaue Vier” (Los cuatro azules); dicho grupo expuso por primera vez en Nueva Yorke en 1925 en la Galería de Charles Daniel.

En la Alemania nazi, su trabajo fue catalogado como arte degenerado, al igual que el de otros muchos artistas de la época, por lo que marchó a Estados Unidos a finales de 1937, fijando su residencia en Nueva York, ciudad en la que vivió hasta su muerte.

El Museo Thyssen Bornemisza de Madrid alberga magnificas obras de Feininger....

Espacio Fundación Telefónica

Espacio Fundación Telefónica acoge la exposición “Certezas Efímeras” desde el 23 de febrero al 23 de abril, en el que se podrán ver las dos instalaciones más representativas del artista argentino Leandro Erlich: “Nido de las nubes esquemas” y “Changing Rooms”. La primera es una obra escultórica que sugiere un conjunto de nubes que parecen flotar en el aire evocando la forma de distintos países.

La segunda se compone estructuralmente de 30 cabinas y dos pasillos que permiten el tránsito ente tres bloques de probadores.

Erich a través de la ilusión óptica configura un espacio que rompe nuestros esquemas y abre una multitud de vías de interpretación. Ambas piezas aúnan de manera excepcional la mayoría de las características que hacen única la producción de este artista.